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浪漫主义时期的精神对古典主义理想的反抗可以用许多词来概括：感性对理性、创新对遵从、狂热对理智，以及个体对群体。然而从纯粹的角度看，与其说浪漫主义作曲家的音乐作品代表了反抗古典主义理想的一种革命，其实是超越这种理想的一种渐进的发展。
那些古典主义时期就存在的音乐体裁：交响曲、协奏曲、弦乐四重奏、钢琴奏鸣曲和歌剧，尽管在形式上发生了一些变化，但在整个十九世纪继续流行着。浪漫主义时期只出现了两种新的音乐体裁：艺术歌曲和交响诗。作曲家们仍然沿用来自海顿、莫扎特及青年贝多芬的音乐材料，但会使它们具有更强烈的表现力，更个性化以及更富有色彩。
浪漫主义的旋律
浪漫主义时期见证了旋律发展的顶峰，它变得更长，节奏更加灵活。而从结构上，也已不再是古典主义时期那样整齐、对称，它们更加不规则。与此同时，浪漫主义的旋律延续了18世纪晚期发展起来的一种趋势，即主题变得更加声乐化、更适合歌唱。舒伯特、肖邦、柴可夫斯基创作的无数旋律被改编成流行歌曲和电影主题，尤其是电影中的爱情故事，因为这些旋律非常富有表现力。
浪漫主义色彩化的和声
浪漫主义音乐中感情强烈的部分是由一种新的，更富于色彩性的和声造成的。古典主义音乐基本上使用只建立在大小调音阶的7个音上的和弦。而浪漫主义作曲家通过创造半音和声而走得更远，这是在一个八度全部12个音的半音音阶内的另外5个“半音”上增加的和弦（键盘上的黑键），它们大多听起来不协和，但也正是这种不协和为浪漫主义音乐的和声调色板增加了更多的色彩，产生了丰满而华丽的音响效果。
简单的说来，19世纪的作曲家们正是通过临时的不协和音的手法带给音乐一种“浪漫的感觉”。渴望、痛苦和灾难在音乐中通常都是用不协和音来表现的。按照作曲的规则，所有的不协和音必须“解决”到协和音。但在浪漫主义音乐中，不协和音被拉长，相对人们在听的时候对于“解决”的要求就更大。而对“解决”的延迟强化了忧伤、渴望和探求的情感，这些情感正适合于浪漫主义音乐所要表达的爱情或孤独的主题。这也就证明了我们在聆听现代爵士乐中经常听到的不协和音，初听可能很难接受，然而听久了就会觉得越来越有味道。
浪漫主义的“自由速度”
与崇尚个性自由和容忍怪癖行为的时代相一致，浪漫主义音乐的速度也不再受有规律的节拍的束缚。“自由速度”是作曲家们在乐谱中写的一个表情记号。一个演奏者在演奏“自由速度”时，在一个小节“抢”了一些节拍，而在另一个小节又补回来，速度或快或慢，都用一种强烈的个性方式来处理。速度的自由处理经常会由于力度的波动而变化——放慢时伴随着渐弱，加快时伴随着渐强。这种夸张音乐流动的方式，在浪漫主义艺术家的自由特许下得到默认。
浪漫主义的曲式：大型结构和小型结构
浪漫主义的作曲家们没有建立新的曲式，而只是扩展了古典主义时期使用的那些。当19世纪的作曲家们设计出宽广而连绵的旋律，趁你在宏大的渐强声音色彩，着迷与庞大的管弦乐队带来的华丽音响时，每一乐章的长度便增强起来。莫扎特的g小调交响曲（）只需要20分钟左右；但是，柏辽兹的《幻想交响曲》（）需要将近55分钟；而马勒的第二交响曲（）则接近1.5个小时；最长的音乐作品也许是瓦格纳的四部连续歌剧《尼伯龙根的指环》（-），全部演出过程大约需要17个小时。
不过，自相矛盾的是，浪漫主义作曲家也对小型曲式结构着迷。在仅仅一两分钟的作品中，他们设法抓住一种情绪的本质。这类小型作品被称为特性小品，通常为钢琴而作，经常使用简单的二部（AB）或是三部（ABA）曲式。由于特性小品转瞬即逝，有时也被冠以一个古怪的标题，比如小品曲、幽默曲、阿拉伯风格曲、音乐的瞬间、随想曲、浪漫曲、间奏曲或即兴曲。舒伯特、舒曼、肖邦、李斯特和勃拉姆斯等作曲家都喜欢创作这类音乐小品，大概是作为对他们的大型交响曲和协奏曲的一种调剂。
浪漫主义音乐的演奏：更多的音色、规模、音量
浪漫主义音乐中另一个令人惊叹的方面是它的音色和音量。与沉湎于剧烈的情绪变化的时代相适应，浪漫主义作曲家创造了更大的演奏力度幅度范围。古典主义时期力度的范围仅仅在pp(很弱)到ff（很强）之间，而现在，更夸张的pppp和ffff出现了。为了奏出像ffff这样大的音量，作曲家们需要更大的管弦乐队和钢琴。
浪漫主义音乐的演奏：更丰富、更大规模的管弦乐队
科学技术的发展其实深刻地影响着音乐的历史。想想电吉他的出现，是它成就了吉米·亨德里克斯和艾瑞克·克莱普顿这样的吉他大师。同样的，19世纪工业革命带来的技术进步也很大地影响了当时的音乐。年前后，一些已有的管弦乐队乐器在机械方面得到了改进。例如，木质的长笛被银质材料取代，并且有了一种新的指动机械结构，使它的演奏更灵活方便。
小号和圆号则装备了阀键（调节塞），改进了技术装置和音高的准确性。据说在浪漫主义时期，人们对圆号尤其钟爱。它那丰满、深沉的音色很容易与狩猎和森林之间联系起来，这被浪漫主义作曲家扩展用于大自然主题的作品中，使其成为优秀的浪漫主义乐器。
一些全新的乐器也被加入浪漫主义时期的管弦乐队。贝多芬著名的第五交响曲（）中，短笛、长号和低音大管首次被引入；而在年，柏辽兹在他的《幻想交响曲》中则要求使用一支早期形式的大号、一支英国管（一种低音双簧管）、一支短号和两架竖琴。
柏辽兹这位浪漫主义代表作曲家，对于一个理想的交响乐队应该包括什么提出了自己的观点。他希望不少于位演奏者，包括把小提琴、40把中提琴、45把大提琴、35把低音提琴和30架竖琴。尽管这样的庞大的乐团从来没有建立组织起来，但柏辽兹的理想为浪漫主义作曲家指明了方向。到了19世纪下半叶，名左右演奏者组成的管弦乐队已经很常见。在古典主义时期，莫扎特G小调交响曲（）使用的是36人编制的管弦乐队；而在年马勒第一交响曲的管弦乐队的编制已经增加到人。
在一百年里，乐队规模已经扩展了三倍多。时至今日，我们所听的交响乐团仍旧沿用了19世纪末的编制规模。不过随着科技的迅速发展，我们现代人的耳朵对于电声音响的接受而变得迟钝了。我们只能用想象的方式去感受19世纪末的听众们对于多名演奏者组成的管弦乐队所产生的巨大冲击力，大家聚集在比以前更大的音乐厅中聆听惊人的“音响效果”。
浪漫主义音乐的演奏：指挥家
今天的我们对于交响乐团的指挥家的存在都不陌生，然而事实上他也是在浪漫主义时期出现的。当交响乐团的编制规模变得更大、更复杂时，一个挥舞着指挥棒，维持音乐秩序的角色是必要的。在莫扎特时代，管弦乐队的领导是演奏者之一，或是键盘演奏者，或是第一小提琴手，他们通过摇动头或者身体来指挥。而贝多芬在他的生命末期指挥他的交响曲时，他站在乐队前，背对着观众，挥动着手臂。此后，指挥家可能用一卷纸、一根小提琴弓、一块手帕或一根木棍来引导乐队演奏，总之就是站在谱台前打着拍子。但到了19世纪，指挥者逐渐从一个仅仅打拍子的人演变成一个音乐的解释者——这便是现代指挥家的出现由来。
浪漫主义音乐的演奏：演奏大师
与弘扬个性的时代相适应，19世纪是独奏的演奏大师的时代。尽管过去也出现过乐器的演奏大师，比如演奏管风琴的巴赫和演奏钢琴的莫扎特。但是现在，普遍的是大量音乐家开始花大精力去努力提高自己的演奏技巧。特别是钢琴家和小提琴家，为了在乐器上发展魔术般的演奏速度，花大量时间做那些带花的演奏技巧——琶音、震音、颤音以及三度、六度及八度的音阶练习。与巴赫时代不同的是，浪漫主义时期的演奏大师们在台上被当作“偶像”，“英雄”般的存在。意大利小提琴演奏家帕格尼尼（NiccoloPaganini，-）甚至对小提琴的四根弦使用特殊的调音，以便能比较容易地演奏特别困难的段落。而如果一根弦断了，他可以只用三根弦演奏；如果断了三根弦，他甚至能继续飞速地在一根弦上演奏。他的名声之大以至于在当时成为“广告代言人”，头像出现在餐巾、领带、烟斗、台球球杆和化妆盒上。
就像后来的以为作曲家所说：“这位演奏大师的吸引力就像马戏团表演者那样，人们总是希望有什么预想不到的事情将会发生。”帕格尼尼炫技音乐的大胆鲁莽可以从下面的谱子中看出（帕格尼尼随想曲，A小调第5号作品），它看上去像过山车那样跌宕起伏。幸运的是，就像我们看到的那样，这些富有特技的演奏大师们，有些也是才华横溢的作曲家。
本文主要探讨了19世纪音乐的风格和发展。当浪漫主义音乐对文学
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